Прямая фотография. История

Прямая фотография

Начало: 1910 г.

ИСТОРИЯ И КОНЦЕПЦИИ

«Фотографировать правдиво и эффективно — значит заглянуть под поверхность и зафиксировать качества природы и человечества, которые живут или скрыты во всех вещах». Ансель Адамс

Резюме прямой фотографии

Прямая фотография подчеркивает и использует собственные технические возможности камеры для получения изображений с резкой фокусировкой и богатыми деталями. Этот термин обычно относится к фотографиям, которые не подвергались манипуляциям ни при съемке изображения, ни в фотолаборатории, но четко изображают сцену или объект так, как их видит камера. Пол Стрэнд и Альфред Стиглиц стали пионерами прямой фотографии в Нью-Йорке, а уроженец Венгрии Ласло Мохой Надь использовал чистую фотографию, чтобы максимизировать графическую структуру изображения с камеры. Эти прямые или чистые подходы к фотографии продолжают определять современные фотографии, а также являются основой для многих родственных движений, таких как документальное кино, уличная фотография, фотожурналистика и даже, позднее, абстрактная фотография.

Ключевые идеи и достижения

Прямая фотография впервые с момента изобретения фотографии уважает собственный технический визуальный язык среды. Характерный словарный запас камеры включает в себя форму, четкую фокусировку, богатую детализацию, высокую контрастность и богатые оттенки. Прямая фотография также является синонимом чистой фотографии, поскольку оба термина описывают способность камеры точно воспроизводить изображение реальности.
Настоящие фотографы визуализировали изображение перед тем, как сделать снимок. Эдвард Уэстон определил этот термин в 1921 году и заявил: «Сначала установите правильное освещение и экспозицию, и как проявка, так и печать могут быть практически автоматическими». Ансель Адамс не мог не согласиться, когда утверждал, что «фотограф визуализирует свое представление о предмете, представленном в окончательном отпечатке. Он достигает выражения своей визуализации с помощью своей техники - эстетической, интеллектуальной и механической». Эта визуализация изображения была дополнена форматными камерами - камерами, в которых использовалась пленка большого размера 4x5 дюймов или 8x10 дюймов - что позволяло фотографу предварительно просмотреть сцену на матовом стекле.
Представление Ласло Мохой-Надь о "Новом видении" (Neue Sehen) в фотографии тесно связано с идеями школы Баухаус. Его техника смотрела на мир через объектив камеры, используя ее как средство кадрирования для документирования, и как средство экспериментирования. Мохой-Надь, стремясь создать графическую структуру изображения, отстаивал нетрадиционные точки зрения и игривые методы печати, чтобы создать новую связь с видимым, индустриальным миром.
Прямая фотография - это подход, основанный на процессе и времени. Он представляет непосредственность, течение времени, как в истории, или застывшее время, как в снимке. На фотографии время описывается движениями объекта. Как заявил Анри Картье-Брессон, «мы работаем в унисон с движением, как если бы оно было предчувствием того, как разворачивается сама жизнь. Но внутри движения есть один момент, когда движущиеся элементы находятся в равновесии». Это понятие «решающего момента» определило большую часть прямой фотографии середины 20-го века.

Важные фотографии и художники прямой фотографии

Фредерик Генри Эванс

«Море ступеней», Уэллсский собор, ступени к Дому капитула (1903 г.)
Художник: Фредерик Генри Эванс

На этом снимке изображены ступени, ведущие к Дому капитула в Уэллсском соборе в Сомерсете, Англия. Замечательная по своей композиции и чувству света и пространства фотография передает восхождение по лестнице, как будто аналогичное восхождению к божественной безмятежности, символизируемой освещенной аркой. Вертикальные линии колонн возвышаются над изгибом ступеней, которые кажутся текущими и вздымающимися, как морские волны, - то, что Эванс назвал «морем шагов». В результате Эванс представил новое направление в фотографии. Он использовал символистскую манеру использования объектов для прямого выражения эзотерических идей. Эванс обрамил внутренний вид лестничного марша (архитектурного пространства), чтобы предложить восхождение "по святая скала" (святая лестница), придав изображению эмоциональный и духовный резонанс.

Эванс был книготорговцем, который начал экспериментировать с фотографией и в 1898 году стал профессиональным фотографом, сосредоточив внимание на архитектурных объектах, в частности на известных соборах во Франции и Англии. Член Общества пикториалистов Linked Ring в Лондоне, он представлял крайний пуристский подход в обществе. Эванс практиковал и выступал за чисто фотографическое изображение - таким образом, он был патриархом прямой фотографии. Перфекционист, он иногда проводил недели в соборе, изучая эффекты света в разное время дня, чтобы получить идеальное изображение. Свет, по его мнению, был эквивалентом духовного просветления.

Работы мастера

Пол Стрэнд

Чаши (1917)
Художник: Пол Стрэнд

На этой фотографии крупным планом изображены обычные кухонные миски, которые используются для изучения эффектов света и тени. Круглые вогнутые объекты сведены к геометрическим круглым формам, определяемым выделенным линейным верхним краем чаш и глубиной теней. Композиция из перекрывающихся круглых форм создает структуру объекта, делая его почти абстрактным и трудно узнаваемым. Поль Стрэнд сказал, что его «абстрактные» исследования были вопросом прояснения «для меня того, что я теперь называю абстрактным методом, который впервые проявился в картинах Пикассо, Брака, Леже и других…». Эти снимки крупным планом аналогичны его крупным планам портретов простых людей, снятых на улице в конце 1916 года, которые граничат с социальной документальностью.

Работа Стрэнда, опубликованная в последнем выпуске Camera Work за июнь 1917 года, зашла настолько далеко, насколько это было возможно с фотографической точки зрения. Здесь важна творческая свобода, обретаемая в фотографическом акте. Альфред Стиглиц добавил короткое эссе в поддержку этой новой эстетики: «Работа предельно прямолинейна, лишена всякой чепухи, лишена обмана и какого-либо «изма», лишена каких-либо попыток ввести в заблуждение невежественную публику, включая фотографов и самих себя". Фотография чаш крупным планом, сделанная Стрэндом, представила новую фотографию, которая объективно анализирует черты обычных людей и предметов.

Работы мастера

Ансель Адамс

Монолит, лицо полукупола (1927)
Художник: Ансель Адамс

Фотография Адамса Half Dome, достопримечательности парка Йосемити в Калифорнии, положила начало его карьере. Это форменное гранитное скальное образование запечатлено как внушительный темный монолит, возвышающийся к далекой вершине на фоне темного неба и снежного пейзажа внизу слева и внизу справа. На протяжении всей своей жизни Адамс возвращался к этой теме и отмечал: «Это никогда не бывает одним и тем же Half Dome, никогда не бывает того же света или того же настроения». Это изображение было встречено критиками, и сам Адамс считал, что это был «один из самых захватывающих моментов в моей фотографической карьере», потому что он впервые испытал то, что он назвал «визуализацией», когда он смог увидеть и кадрировать изображение как видит взор.

Чтобы сделать снимок, он поднялся на 4000 футов по снегу, неся свою большую камеру обзора Korona, деревянный штатив и дюжину стеклянных пластин, которые он установил на скалистом выступе. Когда свет начал падать на монолит, он сделал одну фотографию с желтым фильтром, а затем понял, что использование темно-красного фильтра сделает изображение, по его словам, «задумчивым, с глубокими тенями и далеким резким белым цветом». Вершина на фоне темного неба.
Адамс был одним из ведущих членов группы f/64, наряду с Каннингемом и Уэстоном, и ярым сторонником того, что он называл «чистой или прямой фотографией». Его пейзажи пользовались огромной популярностью у широкой публики, но оказали решающее влияние на многие фотографии, например, Гарри Каллахан, который чувствовал, что сосредоточенность Адама на «только прямой фотографии» дала ему свободу заниматься собственной фотографической практикой.

Работы мастера