Пикториализм. История фотографии

Начало: 1885 г.
Окончание: 1915 г.

ИСТОРИЯ И КОНЦЕПЦИИ

«Подобно тому, как музыка есть только звук, подчиняющийся определенным законам, так и живописный эффект есть лишь сочетание определенных форм, света и тени, подобным образом гармонично соединенных вместе».

Генри Пич Робинсон

Резюме пикториализма

Пикториалисты взяли фотографию и заново изобрели ее как форму искусства, поставив красоту, тональность и композицию выше, чем создание точной визуальной записи. Своими творениями движение стремилось поднять фотографию на один уровень с живописью и добиться ее признания галереями и другими художественными учреждениями. Фотография была изобретена в конце 1830-х годов и изначально считалась способом создания чисто научных и репрезентативных изображений. Это начало меняться с 1850-х годов, когда такие защитники, как английский художник Уильям Джон Ньютон, предположили, что фотография также может быть художественной.

Хоть его можно проследить до этих ранних идей, движение пикториалистов было наиболее активным между 1885 и 1915 годами, а в период своего расцвета оно имело международный охват с центрами в Англии, Франции и США. Сторонники использовали ряд методов темной комнаты для создания изображений, которые позволили им выразить свое творчество, используя его для рассказа историй, воспроизведения мифологических или библейских сцен и создания сказочных пейзажей. Не существует прямого определения того, что такое пикториалистская фотография, но обычно под ней понимают изображение, с которым каким-то образом манипулировали, чтобы усилить его художественное воздействие. Общими темами в этом стиле являются использование мягкого фокуса, цветового оттенка и видимых манипуляций, таких как составные изображения или добавление мазков.

Ключевые идеи и достижения

Пикториализм был тесно связан с преобладающими художественными движениями, поскольку фотографы черпали вдохновение в популярном искусстве, перенимая его стили и идеи, чтобы продемонстрировать паритет между ним и фотографией. Особенно влиятельными движениями были тонализм, импрессионизм и, в некоторых случаях, викторианская жанровая живопись.
Пикториалисты были первыми, кто представил аргументы в пользу того, чтобы фотография считалась искусством, и, тем самым, они инициировали дискуссию о художественной ценности фотографии, а также дискуссию о социальной роли фотографических манипуляций. Оба эти вопроса все еще оспариваются сегодня, и они стали еще более актуальными в последние десятилетия благодаря более широкому использованию Photoshop в рекламе и социальных сетях.
Это движение привело к большим инновациям в области фотографии, и ряд фотографов, связанных с ним, отвечали за разработку новых методов для развития своего художественного видения. Это заложило основу для последующих достижений в области цветной фотографии и других технических процессов.

Основные важные фотографии и художники пикториализма

Генри Пич Робинсон

Угасание (1858)
Художник: Генри Пич Робинсон

На этом составном принте, объединяющем пять различных негативов, изображена интимная сцена очень больной молодой женщины в окружении трех членов семьи. Слева ее мать сидит в профиль, ее взгляд смирен. Справа старшая сестра склоняется над спинкой шезлонга, а в центре спиной к зрителю стоит отец, который смотрит в окно, его темная фигура выделяется на фоне света. Различные элементы — закрытая книга, брошенная на коленях матери, две женщины, пристально наблюдающие за умирающей девочкой, как будто она может что-то сказать, и контраст между тьмой и светом — создают эмоциональное воздействие. Робинсон использует светотень, чтобы противопоставить мрачные оттенки одежды родителей белому цвету умирающей девочки. Это еще больше подчеркивается темными портьерами на окне, которые обрамляют бурное небо, отражающее горе внутри комнаты. В 19 -м веке в Британии трендом были картины с изображением больных или умирающих детей.

Робинсон впервые создал составное изображение, которое стало основой пикториализма. Для его современной аудитории фотография вызывала споры, так как многие считали фотографию слишком буквальным средством, чтобы изобразить такую ​​интимную и болезненную сцену. Однако, несмотря на реалистичность, изображение содержит элементы 19-го века. Символизм века, взятый из жанровой живописи того периода, где белый цвет двух молодых женщин указывает на чистоту и невинность, а открытое окно и его вертикали предполагают восхождение на небеса. Это противоречие в сочетании с тем фактом, что гравюра была куплена принцем Альбертом, мужем королевы Виктории, обеспечило Робинсону популярность. Составные изображения Робинсона, или монтажи, являются предшественниками более поздних работ Мортенсена, Дуэйна Михалса, Лукаса Самараса и Синди Шерман, и прочих.

Работы мастера

Джулия Маргарет Кэмерон

Горная нимфа Сладкая свобода (1866)
Художник: Джулия Маргарет Кэмерон

На этом портрете изображена модель, известная только как мисс Кин, смотрящая прямо на зрителя с выражением, намекающим на дикость, что отражается в ее растрепанных волосах. Она заполняет кадр, резко выходя из темного фона, а ее бледные черты подсвечиваются контрастом между ними, что, возможно, указывает на переход от юности к взрослой жизни. Самое примечательное в изображении — это поразительное ощущение присутствия модели, которое вызывает всевозможные вопросы как о реальной, так и о воображаемой молодой женщине, изображенной на фотографии. Сэр Джон Гершель, друг и наставник Кэмерон, писал об изображении, что «она абсолютно жива и высовывает голову из бумаги в воздух». Хотя Гершель был известен как астроном, он глубоко интересовался фотографией.
Название этого портрета взято из строки в « Аллегро » Джона Мильтона, пасторальной поэмы 17 - го века, которая восхваляет достоинства активной и веселой жизни. Возможно, выбор названия отражает убеждение Кэмерон в том, что женщины должны быть более активными и вовлеченными в жизнь общества. Хотя Кэмерон, как аристократической пожилой женщине, давали больше свободы действий, чем большинству, ограничительные представления о подходящем поведении для женщин должны были формировать и контролировать ее деятельность и ее участие в фотографических кругах, где доминируют мужчины.
Как заметила искусствовед Лаура Камминг, Кэмерон «совершила революцию в фотографии и увековечила эпоху выдающихся викторианцев своими монументальными фотографиями с их расплывчатым фокусом и драматическим использованием света». Было также высказано предположение, что сочетание мифологии и портретной живописи Кэмерон повлияло на подход прерафаэлитов, особенно Данте Габриэля Россетти. Хотя ее изображения изначально были встречены резкой критикой, в 1873 году The Times рассмотрела ее работы, сравнив их с искусством Джотто, Ван Дейка и Рейнольдса. Ее психологически убедительные фотографические портреты, такие как этот, равнялись эмоциональной сложности, которую можно было достичь в красках, что делало их важными как для развития фотографии в целом, так и для пикториализма в частности. Сама фотограф сказала: «Мое стремление - облагородить фотографию и закрепить за ней характер и использование высокого искусства».

Работы мастера

Джордж Дэвисон

Луковое поле, остров Мерси, Эссекс (1890 г.)
Художник: Джордж Дэвисон

В пейзаже Дэвисона грозовые тучи сгущаются над отдаленным фермерским домом, более темный передний план с низкорослыми растениями подчеркивает стебли лука, а цветы наверху ловят свет. Белизна луковых цветов эхом отражается в небе, а дым, выходящий из фермерского дома, создает яркое ощущение атмосферы. Фотография была создана с помощью камеры-обскуры, устройства, которое создает изображения без резких деталей традиционной аппаратуры для создания общего мягкого фокуса произведения. Это еще больше подчеркивается волнистым узором из луковых цветов, которые сливаются вместе к горизонту. Пинхол-фотография была одной из тех техник, с которыми экспериментировал Дэвисон, чтобы создавать импрессионистические изображения, запечатлевшие игру света.
Эта фотография с альтернативным названием «Старая усадьба» была опубликована в номере Camera Work за 1907 год , но к тому времени она уже стала одной из самых значительных и противоречивых работ в споре между пикториализмом и прямой фотографией. Несмотря на то, что эта работа была награждена медалью на ежегодной выставке Фотографического общества Великобритании в 1890 году, она вызвала споры, и The Amateur Photographer отрицательно заметил, что она «ознаменовала прогресс и влияние того, что можно назвать «школой туманной фотографии»,  в то время как, напротив, The Times обнаружила, что «возможно, с помощью фотографических методов никогда не было создано более красивых пейзажей ... атмосферный эффект передается превосходно, и, если смотреть на него с подходящего расстояния, изображение дает удивительно точное изображение предмета».

Работы мастера