Mail ВКонтакте Живой Журнал Telegram
 

Современная фотография - история и концепции, с 1910 г. по 1960 г.

Закладывая основы: ранняя фотография.

Нисефор Ньепс считается изобретателем фотографии, он экспериментировал с ранними методами фотографии на протяжении 1820-х годов (самая ранняя сохранившаяся фотография датируется примерно 1826 годом), его фотографии требовали чрезвычайно долгой выдержки, и результаты были несовершенными. Луи Дагер усовершенствовал работу Ньепса в 1830-х годах, в результате чего был создан дагерротип (фотографический процесс), для которого требовалось всего несколько минут экспозиции, и он давал  четкое изображение. Подробности этого процесса были обнародованы в 1839 году, и эта дата считается началом фотографии как жизнеспособного средства массовой информации. Последующие открытия и разработки, в том числе Генри Фокса Талбота, продолжали делать фотографию проще и доступнее. В своих самых ранних формах фотография рассматривалась как научный инструмент, и ее первое практическое применение было в ботанике и археологии. Несмотря на инновации в области художественной фотографии, ее использование оставалось важным для таких фотографов, как Эдверд Мейбридж, известный своими исследованиями движения в 1870-х годах. По мере того, как среда распространялась и становилась более доступной, фотографы начали экспериментировать, создавая портреты, а также картины, последние часто вдохновлялись историческими и литературными произведениями. В этом процессе участвовало несколько ключевых фигур, включая Джона Эдвина Мэйолла, Джулию Маргарет Кэмерон, Чарльза Доджсона (Льюис Кэрролл) и Оскара Рейландера в Великобритании. В США такие фотографы, как Ф. Холланд Дэй, Альфред Штиглиц, а Эдвард Стейхен проложили путь со Штиглицем, особенно представив фотографию в музейных коллекциях и художественных галереях. В рамках попытки добиться признания своей работы наряду с другими, более устоявшимися формами искусства, эти фотографы переняли язык и ценности изобразительного искусства. Это можно увидеть в книге Генри Фокса Талбота « Карандаш природы» (1844 г.). Это была одна из первых коллекций фотографий, опубликованных на коммерческой основе, и каждое изображение сопровождалось кратким описанием, объясняющим сцену и процессы, связанные с ее съемкой. В книге используется художественная терминология и наглядно демонстрируется, как Талбот понимал фотографию с точки зрения нарисованного изображения. Пикториализм: фотография как искусство. Между 1889 и 1914 годами развивалось международное движение пикториалистов, которые делали акцент на красоте, а не на фактической точности, создавая изображения с мягким фокусом и живописными качествами. Чтобы достичь этого, они изобрели различные методы обработки для изменения изображения в процессе проявки, часто добавляя цвет, видимые мазки или другие манипуляции с поверхностью. Новые фотографические общества, ориентированные на стиль пикториализма, помогли определить и распространить это движение. Группы включали Общество связанного кольца (1892 г.) в Англии, Парижский клуб (1894 г.) во Франции и Венский фотоклуб (1891 г.) в Австрии. Группа Photo-Secession (1902 г.) в Нью-Йорке стала одной из самых влиятельных групп пикториалистов, среди ее членов были Эдвард Стейхен, Альфред Штиглиц, Кларенс Х. Уайт, Фрэнк Юджин, Ф. Холланд Дэй и Гертруда Кезебир.

Прямая фотография.

Пол Стрэнд

Прямая фотография или непосредственная фотография — направление в фотоискусстве, основанное на отображении окружающей действительности в реалистической документальной манере, и настолько объективно, насколько позволяют технические средства. При этом отвергаются какие-либо трансформации изображения как при съёмке, так и при постобработке. Основанная примерно в 1904 году, Straight Photography (прямая фотография) стремилась сделать правдивую запись того, что видел фотограф. Обычно, это считается первым движением современной фотографии и моментом, когда фотографы перестали пытаться подражать устоявшимся художественным приемам. В целом изображения не подвергались манипуляциям ни при съемке, ни в процессе постобработки в темной комнате. Изображения, как правило, подчеркивали тщательное кадрирование, четкую фокусировку и четкие детали, используя эти черты, чтобы отличить фотографию от других визуальных средств. Фотографы снимали окружающий мир. А индустриализация привела к росту городской фотографии, особенно большого разнообразия уличных сцен. Альфред Штиглиц широко пропагандировал этот стиль, как более чистую форму фотографии, чем пикториализм (который он сначала провозгласил, но позже отошел от него). Среди других ключевых фигур движения были Пол Стрэнд (который создал некоторые из первых культовых изображений и оказал влияние на Штиглица), Ансель Адамс и Эдвард Уэстон, которые основали Group f /64 в начале 1930-х годов и создавали изображения с акцентом на американский Запад. В конечном счете, прямая фотография послужила основой для большинства фотографических инноваций в течение следующих 60 лет, включая фотожурналистику, документальную фотографию, уличную фотографию и «эстетику моментального снимка».

Футуризм.

Поначалу казалось, что фотосъемка не подходит для художественных целей итальянских футуристов, плененных скоростью, динамизмом и неистовой энергией. Только с изобретением «фотодинамики» в 1911 году футуризм внес свой вклад в современную фотографию. Этот термин был введен братьями Антоном Джулио и Артуро Брагалья, которые использовали свою камеру, чтобы вызвать чувство «визуального головокружения», создавая фотографическое движение с помощью многократной экспозиции. Действительно, Антон опубликовал первое из трех изданий своей книги Fotodinamismo Futurista в 1911 году, и его теории были хорошо приняты в фотографических кругах и широко приняты другими европейскими авангардистами, художниками. Эти ранние эксперименты с движением и портретной живописью — Фортунато Деперо, например, создал серию «жестовых» автопортретов во время первой волны — более или менее определили футуристическую фотографию, пока Маринетти и Тато не опубликовали «Манифест футуристической фотографии» в апреле 1930 года. Манифест положил начало десятилетию, которое многие считают самым продуктивным в итальянском фотографическом искусстве. Это было десятилетие, когда фотография слилась с другими формами футуристического искусства, включая танец, живопись и исполнительское искусство. Филиппо Масоэро, например, разработал новые концепции пространства и движения, фотографируя итальянские города из кабины самолета. И, как и другие европейские школы, футуристов также привлекало движущееся изображение: «выразительное средство, наиболее подходящее для сложной чувствительности художника-футуриста», как говорилось в его манифесте. Хотя от раннего экспериментального футуристического кино мало что осталось, полнометражная футуристическая мелодрама «Таис» Антона Брагалья 1917 года является общеизвестным свидетельством кинематографического наследия этого движения.

Конструктивизм и Баухаус.

Художественные методы Конструктивизма  и  Баухауса заключали в себе идею новой технологии для нового мира. Их фотография (как и их искусство в целом) характеризовалась точностью и геометрической простотой, благодаря которым художник принял на себя мантию инженера. В то время как большая группа экспериментировала с этим материалом, двумя выдающимися мастерами русской конструктивистской фотографии были Эль Лисицкий и Александр Родченко, оба были привержены идее, что современное искусство должно помогать «конструировать» (отсюда и конструктивизм), а не просто отражать или представлять реальный мир. Эль Лисицкий был квалифицированным архитектором, создавшим «современные» автопортреты, которые приравнивали роль фотографа к роли инженера. Например, в своем знаменитом «Автопортрете» 1924 года, известном как «Конструктор», Эль Лисицкий образует центр геометрического монтажа с наложенной рукой с компасом, нарисованным кругом (предположительно созданным компасом) и современной (без засечек) типографикой. Родченко, с другой стороны, был широко известен как фотожурналист, но, представив шесть фотографий, включая Мать и Двор Вхутемаса, вид сверху,

к выставке « Десять лет советской фотографии » 1928 года, он был удостоен специального приза за изобретение вообще нового жанра - «технической фотографии», которая представляла собой смесь (или конструкцию) документальной и художественной фотографии.

Баухаус — самая известная и влиятельная школа искусства и дизайна XX века. Следы этого направления можно найти в повседневной жизни. Плоские крыши домов, большие окна и архитектура без украшательств, все это — Баухаус. Баухаус может быть аналогичным образом определен двумя художниками-первопроходцами, Ласло Мохой-Надь и Вальтером Петерхансом. До их назначения в школу Баухаус в 1929 году камера использовалась просто для документирования. Создав специальную школу фотографии (в отделе рекламы), они разработали культуру авангардных экспериментов, основанную на двух эстетических позициях школы, известных как «Nueue Optik» (Новое видение) и Neue Sachlichkeit (Новая объективность). В этом духе Мохой-Надь создал серию натюрмортов, которые он назвал «фотограммами» (создание изображений путем размещения объектов на фотобумаге и выставления их на свет), вдохновленных работами Ман Рэя  "Рейографы". Тем временем Петерханс был наиболее известен своими натюрмортами повседневных предметов, формы и текстуры которых он раскрывал с помощью кропотливых стратегий освещения, которые придавали его предметам не обычный эффект.

Дадаизм и сюрреалистическая фотография.

Движимые разрушительными последствиями Первой мировой войны, крупные и международные движения Дада и Сюрреализм стремились создать новый вид искусства, отражающий хаос и абсурдность современной жизни. Больше озабоченные концепциями, чем эстетикой, они разрушили традиционные барьеры между различными видами искусства, используя фотографию как важное средство выражения (сюрреалистические фильмы также были силой и глубоко изученной темой). Фотографии следовали принципам движения, представляя объекты, которые были оторваны от их обычного контекста, искаженные человеческие формы и фотографические композиции. Эти изображения были направлены на то, чтобы перевернуть представление зрителей о том, что было нормальным, и предложить новый взгляд на социальные и политические проблемы. Работая в Париже между 1897 и 1927 годами, Эжен Атже считал себя фотографом-документалистом, запечатлевшим достопримечательности старого города. Однако, его работы оказали глубокое влияние на многих сюрреалистов от Андре Бретона до Пабло Пикассо. Ман Рэй купил несколько фотографий в 1920-х годах и был вдохновлен использованием света и отражения, а также изображениями магазинных манекенов. Как один из самых плодовитых фотографов сюрреалистического движения, Ман Рэй создал много известных фотографий, в том числе Le Violon d'Ingres (1924).

Самое дорогое фото в мире — за 12,4 миллиона долларов было продано в Нью-Йорке на аукционе Christie’s 2022.

Кроме того, он экспериментировал с рядом техник, включая соляризацию и фотограммы (которые он назвал Rayographs), в которых объекты помещались непосредственно на светочувствительную бумагу. Фотомонтаж также стал важным методом, и его впервые использовали художники, включая Джорджа Гросса, Джона Хартфилда и Ханну Хох, которые были связаны с берлинской ветвью Дада. Фотомонтаж впервые появился в 1916 году, и ранние работы указывали на тщетность войны; среда продолжала использоваться для политических и социальных комментариев на протяжении всей Первой мировой войны. Позже фотомонтаж был принят сюрреалистами, и его можно увидеть в работах Сальвадора Дали. Среди других фотографов, связанных с сюрреализмом, Брассай, Дора Маар, Рауль Убак, Клод Кахун и Мануэль Альварес Браво.

Модная фотография.

Хотя есть более ранние примеры высокой моды, изображенной на фотографиях, первая современная съемка моды приписывается Эдварду Стейхену, который фотографировал платья, разработанные Полем Пуаре для апрельского номера журнала Art et Decoration за 1911 год. Эти изображения были определяющими для жанра, поскольку они не только фиксировали внешний вид одежды, но и передавали ощущение одежды и ее владельца. Область фэшн-фотографии быстро росла в течение 1920-х и 30-х годов, когда такие журналы, как Vogue и Harper's Bazaar, лидировали и нанимали известных штатных фотографов, включая Хорста П. Хорста, Джорджа Хойнинген-Хьюне, Сесила Битона и Мартина Мункачи. В послевоенный период появились новые имена в этой области, такие как Лилиан Бассман, Норман Паркинсон, Ричард Аведон, Ирвинг Пенн и Дэвид Бейли, причем многие из этих фотографов предпочитали более спонтанный и энергичный подход. Ирвинг Пенн отметил, что его роль заключалась в «продаже мечты, а не одежды», и, следовательно, изображения все больше фокусировались на современных женщинах и их деятельности. Заявление Пенна также отражает противоречие между искусством и коммерцией, которое проявляется в фэшн-фотографии, и это совпадение продолжает стимулировать творчество и инновации в этой области.

Фотожурналистика.

Золотой век фотожурналистики начался в 1930-х годах в Европе и стал ассоциироваться, в период после Второй мировой войны, с такими журналами, как Paris Match, Life, Советское Фото. Фотожурналисты полагались на фотографию, чтобы задокументировать и рассказать новость, иногда как часть журналистского письменного отчета, а иногда независимо в фоторепортаже. Сторонники придерживались строгих стандартов честности и объективности записи событий. Среди известных ранних фотожурналистов Анри Картье-Брессон, Роберт Капа,  Маргарет Бурк-Уайт, Агусти Сентельес, Тони Ваккаро и Эрих Саломон, Наум Грановский, Эммануил Евзерихин, Василий Егоров, Марк Марков-Гринберг, Яков Рюмкин, Михаил Савин, Михаил Трахман, Александр Устинов, Борис Игнатович, Евгений Халдей, Яков Халип, Аркадий Шайхет.

Документальная фотография.

Документальная фотография имеет тесные связи с фотожурналистикой, имея многие из тех же признаков, причем оба термина используются для описания фотографии, которая ведет хронику людей или мест, фиксируя важные исторические события. Однако фотографы-документалисты, как правило, были менее подвержены влиянию необходимости запечатлеть последние новости или развлечь  фотографиями. Это позволяло им участвовать в долгосрочных проектах, записывая то, что они видели и пережили в течение определенного периода времени, и это часто позволяло им в той или иной степени подчеркивать необходимость реформ. 

Абстрактная фотография.

Ман Рей

Ман Рей

Абстрактная фотография относится к необъективным изображениям, которые могут быть созданы с использованием фотографических материалов, процессов или оборудования. Как и все произведения абстрактного искусства, полученные изображения не представляют предметный мир, но могут иметь с ним ассоциации. Самые ранние образцы абстрактной фотографии появились в середине 19 века в изображениях научных экспериментов, которые позже стали рассматриваться с художественной точки зрения. Первыми намеренно абстрактными фотографиями были Vortographs Элвина Лэнгдона Коберна в 1916 году. Фотограммы Ласло Мохоли-Надь и Rayographs Ман Рэя являются известными примерами абстрактной фотографии 1920-х годов. Абстрактная фотография стала более определенным движением после Второй мировой войны благодаря таким фотографам, как Аарон Сискинд, Генри Холмс Смит, Лотте Якоби и Майнор Уайт.

Уличная фотография и эстетика снимков.

Уличная фотография изображает спонтанные встречи или ситуации на городской улице. Одним из пионеров этого жанра был Пол Мартин, снимавший людей в Лондоне в конце 19- го и начале 20 -го века. Эта идея спонтанности и запечатления повседневной деятельности людей получила дальнейшее развитие в 1930-х годах в рамках проекта массового наблюдения, который стремился зафиксировать жизнь на улицах Британии с помощью фотографий. В начале 1950-х годов Анри Картье-Брессон разработал концепцию «решающего момента». Это был момент, когда «форма и содержание, видение и композиция слились в трансцендентное целое», и он применил эту идею как к своей уличной, так и к документальной фотографии. Другими ключевыми практиками этого стиля были Хелен Левитт, запечатлевшая жизнь в тесных районах Нью-Йорка в 1940-х и 1950-х годах, и Джоан Колом, исследовавшая район Раваль в Барселоне в 1960-х годах. Эстетика моментального снимка тесно связана с уличной фотографией и была разработана с появлением портативной камеры, которая позволила фотографам точно запечатлеть момент повседневной жизни. Такие фотографы, как Гарри Виногранд, Джоэл Мейеровиц , Нэн Голдин и Вольфганг Тильманс впоследствии приняли эстетику моментальных снимков, чтобы подчеркнуть повседневные, даже банальные предметы и изображения , которые часто были размытыми, перекошенными или беспорядочно оформленными, - напоминающими снимки фотографа-любителя.

Постмодернистская фотография.

Инновации в фотографии шли в ногу с развитием искусства в целом, и так же, как постмодернизм вытеснил модернизм, аналогичная картина последовала и в фотографии. Таким образом, постмодернистская фотография использует все предыдущие фотографические и художественные стили и движения, выступая в качестве инструмента для концептуальных художников, которые обычно используют различные средства массовой информации в производстве своих работ. Общий идеал, объединяющий различные направления постмодернистского искусства, заключается в том, что «нет правил», и постмодернистское искусство очень часто просит зрителя задуматься о том, что такое искусство или каким искусство должно быть. Действительно, одной из определяющих черт постмодернистской фотографии является идея «банальности», и  фотографы стремились пересмотреть «банальность» (или «скучность»)  посредством камеры. Также отдаются предпочтения цвету; довольно явный отход от современной фотографии, которая обычно изображалась резкой или экспрессионистской монохромной. Идея о том, что изобразительное искусство может поддаваться массовому воспроизведению, была популярна среди постмодернистов, потому что она бросала вызов «элитарному» ярлыку, который часто прикреплялся к идее изящных искусств. Многие из этих идей первоначально были исследованы посредством поп-арта и новой свободы, которая позволила художникам интегрировать высокую культуру в массовую (или потребительскую) культуру. Катализатором сдвига в постмодернистской мысли стало знаменитое эссе Ролана Барта 1968 года «Смерть автора». Аргумент Барта заключался в том, что знание целей художника (его мировоззрения) не имеет отношения к чтению произведения искусства и что истинное значение «принадлежит» вовсе не художнику/творцу, а скорее зрителю.  Этот переворот в мышлении привел к краху старых модернистских иерархий (часто называемых «великими нарративами»), и появилось новое поколение политически мотивированных художников, большинство из которых были озабочены исследованием идеи идентичности через постмодернистскую концепцию личности «самость». В области фотографии художники, такие как Синди Шерман, Барбара Крюгер, Роберт Мэпплторп, Молли Ландрет, Занеле Мухоли и Джефф Шэн, продемонстрировали этот идеологический поворот. Заманчиво думать, что старые модернистские идеалы каким-то образом были разрушены раз и навсегда, но на самом деле высокое искусство и постмодернизм перетекают друг в друга. Действительно, практики концептуального искусства доминировали в мире искусства в 1970-х и 80-х годах, а фотография, которую практиковали такие люди, как Джон Хиллиард, Шерри Левин, Джон Балдессари и Эд Руша, занимала видное место в концептуальной сфере. В результате постоянных инноваций фотохудожников фотография теперь почти повсеместно признана произведением искусства, и в большинстве художественных музеев есть отдел фотографии, посвященный сбору и демонстрации фотографий. Но некоторые учреждения не спешили признавать важность современной фотографии, в их числе художественная галерея Тейт Модерн в Лондоне, которая начала пополнять свою коллекцию только в 2009 году, ранее рассматривая фотографию как не более чем прикладное или обычное искусство.

Обсуждение

Вы можете оставить свой комментарий к данной статье

Все интересные новости в группе ВКонтакте