Главная
Классики
10 изображений, которые изменили курс фотографии

10 изображений, которые изменили курс фотографии

13 июня, 2019260

Со времени, когда в 1820-х годах изобретатель Нисефор Ньепс (Nicéphore Niépce) опубликовал первую в истории фотографию, этот вид творчества прошел долгий путь в течение своего двухвекового существования. Книга Яна Гайдна Смита (Ian Haydn Smith) "Краткая история фотографии: карманный путеводитель по ключевым жанрам, произведениям, темам и техникам" издательства Laurence King Publishing посвящена важным фотографиям, которые сформировали как художественное выражение, так и общественные взгляды. Ниже приводится подборка некоторых из этих фото, сопровождаемая выдержками из книги.

Нисефор Ньепс, "Вид из окна в Ле Гра", 1826-27

Изобретатель и ученый-первооткрыватель Нисефор Ньепс воплотил свой интерес к литографии и экспериментам с камерой-обскурой и совершил один из первых крупных прорывов в фотографии.

Самое раннее сохранившееся фотографическое изображение считалось утерянным более 50 лет, пока в 1952 году оно не было обнаружено в чемодане историком фотографии Хельмутом Гернсхаймом. Чтобы получить его, Ньепс взял оловянную пластину и покрыл ее тонким слоем иудейской смолы (асфальта). Светочувствительные качества этого компаунда позволили Ньепсу разработать процесс, который он назвал "гелиография". Светочувствительное покрытие затвердевало при воздействии на него света.

После экспозиции на такую пластину ее промывали растворителем на основе масла лаванды, и на ней оставались только затвердевшие участки. Таким образом, изображение буквально было врезано в поверхность солнечными лучами. Первая попытка Ньепса экспонировать вид одной из комнат в его семейном доме была сделана на поверхности литографической пластины, однако в конечном итоге она была стерта. Эта фотография первоначально считалась результатом восьми- или девятичасового воздействия солнечного света на стены. Но позже один исследователь, используя заметки Ньепса и тот же фотографический процесс, выяснил, что время экспозиции на самом деле длилось несколько дней(!).

Ман Рэй, Скрипка Энгра, 1924

Ман Рэй Le Violon d'Ingres, 1924 Музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, Париж

Рожденный в Америке Ман Рэй сделал Париж своим домом. Он стал фотографическим воплощением авангардных течений дадаизма и сюрреализма. Ман Рей размыл грань между модой и искусством, достигнув удивительного эффекта.

Для фотопортрета "Скрипка Энгра", на котором изображена певица ночного клуба, актриса, художник и модель художника Кики де Монпарнас, Ман Рэй нарисовал два отверстия корпуса струнного инструмента в форме буквы f (эфы) на неэкспонированной пленке, а затем экспонировал ее. "Скрипка Энгра" ссылается на один из источников вдохновения Ман Рэя - на французского неоклассического живописца Жан-Огюста-Доминика Энгра, который также играл на скрипке. Тело Кики, превращенное в музыкальный инструмент, будто бы намекает, что на нем надо играть. В то время Кики и Ман Рэй были любовниками, что дополняет такую интерпретацию. То, что зрителю не видны руки и ноги модели, подчеркивает уязвимость образа. В названии фото содержится французский идиоматический оборот, который означает "хобби", что намекает на амбивалентность образа, между объектизацией и оценкой красоты, хотя и с некоторой долей юмора.

Синди Шерман, Без названия #96, 1981

Ни один фотограф не создавал посредством автопортрета столь сложного диалога между зрителем и образом, посвященного общественному отношению к полу и к вопросам идентичности, как фотохудожница Синди Шерман.

Эта фотография относится ко второй серии набегов Шерман в цвет, которая исследует то, как женщины представлены в порнографических журналах. По заказу Artforum каждая фоторабота должна быть размещена на двухстраничном развороте в стиле разворотов журнала Плейбой. Съемка выполнена крупным планом, этот прием Шерман будет дальше использовать в своих проектах.

На фотографии Шерман использует оранжевый почти китчевый цвет, модель лежит с приподнятой юбкой, обнажающей часть бедра девушки. Выражение лица можно было прочитать как задумчивость, скомканный лист бумаги с объявлениями знакомств в ее руке предполагает, что она только что сделала или собирается сделать звонок. Фотография выходит за рамки простой имитации стиля, и Шерман ставит под сомнение как представление, так и восприятие таких образов.

Энди Уорхол, "Автопортрет в женской одежде" (Platinum Pageboy Wig), 1981

Andy Warhol, Self-Portrait in Drag (Platinum Pageboy Wig), 1981

Ведущий поп-арт художник-авангардист Энди Уорхол использовал ограничения камеры Polaroid при создании тысяч портретов. Фотография всегда занимала центральное место в работах Уорхола. Его автопортреты, которые он снимал между 1962 и 1986 годами, отражают то, как фотограф себя представлял. С каждой серией его лицо все больше становится похоже на маску. Уорхол начал использовать камеру Полароид в 1970-х годах, первоначально в качестве основы для более сложных работ, однако многие из его фото никогда не выходили за рамки простых, часто грубо снятых портретов.

Автопортреты Уорхола в женской одежде напоминают фотографии Марселя Дюшана в женском платье (авторства Ман Рэя). Переодевание в женщину очаровывает Уорхола, и эта серия фоторабот как бы размывает линию между полами. Его выражение лица остается пустым, слегка наивным, оно вызывает у зрителя желание и смотреть, и отвернуться от него. Эти противоречия лежат в основе личности Уорхола, которая и привлекает и отталкивает. Использование фотокамеры Polaroid делает изображение более плоским, а свет резким, но Уорхол использует тонкие тени, чтобы смягчить его контур. Красный цвет губной помады и румян добавляет некоторую игривость в образ.

Julia Margaret Cameron, Beatrice, 1866

Джулия Маргарет Кэмерон, Беатрис, 1866 год. Предоставлено музеем Гетти

Одна из ранних известных фотохудожниц Джулия Маргарет Кэмерон создавала прекрасные портреты, в которых превалирует художественность и духовность образа перед техническим совершенством самой фотографии.

Нежный и печальный фотообраз легендарной Беатрис Ценси, увековеченный стихотворной драмой Перси Биши Шелли 1918 года, лучше всего иллюстрирует стремление фотографа отойти от сиюминутного к вечному искусству. Вдохновленная старинным портретом (ок.1600 года, автор Гвидо Рени) итальянской дворянки по имени Беатрис Ченчи, казненной за сговор с целью убийства ее жестокого отца, Кэмерон хотела раскрыть духовность персонажа, выйти за пределы физического в царство чистых эмоций. Несмотря на то, что многие современники Кэмерон не признавали ее работы, со временем они приобрели большую ценность. Ее фотообразы используют мягкую фокусировку для достижения поразительного визуального эффекта.

Льюис Хайн, Механик и паровой насос, 1921

Снимки Льюиса Хайна рассказывали об использовании детского труда в индустрии США. Хайн документировал все аспекты жизни рабочего класса Америки. Однако его энтузиазм по отношению к механизации современного американского общества сдерживался тем, в каких тяжелых условиях вынуждены были трудиться люди.

Фотография "Механик и паровой насос" впервые появилась в декабрьском выпуске социологического журнала The Survey Graphic в декабре 1921 года. Это была одна из многих фотографий, сделанных Хайном на протяжении десятилетия на огромных электростанциях страны. Акцентируя внимание на каждом шарнире и соединении, фотография передает трепет фотографа перед огромными машинами, но при этом главной мыслью есть то, что эти огромные машины могут работать только, благодаря тяжелому труду американских рабочих. Это симбиоз между человеком и машиной, и гаечный ключ - канал между металлом и плотью. В этом тщательно построенном снимке Хайн превращает рабочего в символ индустриальной Америки.

Доротея Ланж, Мать переселенцев, 1936 год

С началом Великой депрессии Доротея Ланж покинула свою студию ради внешнего мира и стала одним из самых сострадательных хроникеров жизни рабочего класса Америки.

Сила фотоработы Ланж "White Angel Breadline" (1933), в которой бездомный стоял в очереди за едой, привлекла внимание Farm Security Administration (FSA). Они пригласили Ланж стать одной из группы фотографов для фиксации жизни в американских сельских штатах. Доротея Ланж путешествовала по стране в течение пяти лет, фотографируя людей, которые искали работу. Эти фото, как и фото коллег Ланж, значительно контрастируют с более ранними течениями в фотографии.

"Мать переселенцев", пожалуй, самый известный образ, который вышел из проекта FSA. Ланж встретила персонажа этого фото Флоренцию Оуэнс Томпсон и ее семью среди тысяч рабочих-мигрантов в лагере сборщиков гороха в Нипомо Меса, штат Калифорния. Ланж сделала всего несколько снимков.

Дети отвернулись от камеры, привлекая таким образом внимание зрителя к фигуре в центре, женщине, похожей на Мадонну. Выражение лица Томпсон, ее руки, ее поза находятся в фокусе внимания, они передают беспокойство матери о будущем, и делают ее символом экономических трудностей Америки в 1930-х годах.

Тимоти Х. О'Салливан, Урожай смерти, 1863

Тимоти Х. О'Салливан был в подростковом возрасте подмастерьем у фотографа Мэтью Брэди, и со временем стал одним из самых важных летописцев американской гражданской войны.

Фотографии, снятые во время войны, представляют из себя сейсмический сдвиг в роли фотожурналистики в Соединенных Штатах. О'Салливан был одним из десяти фотографов, которым Брэди заказал серии военных фотографий, ключевых фигур, военных лагерей и боев, снятых настолько близко, насколько позволяла безопасность для фотографа. Полученные снимки, как отметил Брейди, представили зрителям "глаз истории".

Геттисберг был самым жестоким сражением в войне, в результате которого погибли около 50 000 военнослужащих в течение трех дней с 1 по 3 июля 1863 года. О'Салливан запечатлел мрачный, смертоносный пейзаж, покрытый телами убитых. У большинства тел на фотографии отсутствует обувь, которую, видимо, сняли с убитых другие солдаты, лишенные своих башмаков. Сильная и правдивая фотография выглядит еще более тревожной из-за тумана, который подобно смертному савану, опускается на поле. В отличие от современных войн, которые, как правило, разрушают землю, ландшафт остался целым. Если бы не трупы, разбросанные по полю, эта сцена могла быть пасторальной идиллией.

Роберт Франк, Парад, Хобокен, Нью-Джерси, 1955

В своей книге "Американцы" (1958) Роберт Франк стремился отразить те сюжеты, которые американцы могли бы фотографировать, если бы они путешествовали по своей стране. Он представил коллекцию фото, которые "везде и всегда легко найти, но не так легко выбрать и интерпретировать". Между 1955 и 1957 годами Фрэнк путешествовал с фотоаппаратом по всей Америке. Созданные в результате этого 83 фотосюжета были разделены на четыре группы, в которых каждое изображение было связано с другим тематически или концептуально. Эти фотографии передают картину американской сельской и городской жизни.

"Парад, Хобокен, Нью-Джерси" - это первая фотография из книги "Американцы". Идея фото далека от портретов Рокуэлла, украшавших обложки "The Saturday Evening Post" в 1950-х годах, она была выполнена в будничном стиле, который в то время казался радикальным. На фото - две женщины, которые смотрят на парад из окон жилого здания. У первой женщины, пожилой и полной, лицо скрыто тенью от полуопущенных штор, она одета в платье, которое было явно не модным даже в то время. У другой женщины лицо полностью скрыто американским флагом, она одета в теплое пальто. Эта женщина стройна, и, похоже, что ей холодно. Кажется, что обе они обременены прошлым, смотрят из окон с опаской.

Gillian Wearing, "Мир во всем мире", 1992-1993 г.

В серии уличных портретов фотографируемые люди держат в руках картонки с надписями, выражающие то, что они думают и как они себя чувствуют. Идея серии была в том, что фотограф "не может фотографировать людей, не зная их". Подходя к незнакомым людям на улице, Джиллиан Веаринг просила их написать то, что они думали в данный момент, на куске картона. Это приводит к тому, что чернокожий полицейский пишет слово "Помоги", пожилой человек пишет слово "Я", молодая женщина фразу "Я теряю контроль над своей жизнью". На фотографиях Веаринг сопоставляется мысль, ее выражение и ее интерпретация.

Этот прием был использован в 2017 году мэром Лондона Садиком Ханом и художником Дэвидом Шригли в рамках серии арт-работ под хештегом #LondonIsOpen, которые были размещены на 270 станциях метро Лондона и отразили его открытость миру, несмотря на референдум, который только что проголосовал за выход Великобритании из Европейского Союза.